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La voix littéraire des écrivains francophones indiens est largement marginalisée par comparaison avec celle des anglophones. L’étude qui suit, se fond sur la mise en lumière d’un roman de l’écrivain franco-indien Ari Gautier, intitulé Le thinnai (2018). Situé dans un village des hors-caste à Pondichéry, ancienne colonie française en Inde, ce roman historique fait entendre des voix résistantes de personnages postcoloniaux : franco-indiens, créoles et colons français. Pris au piège du statut liminal entre français et indien, et du système de caste qui les entoure, ces personnages résistent à toute hégémonie. La présente étude identifie cette résistance non pas comme barrière à leur expression mais comme l’occasion de créer une production créative et subversive. C’est aux trois vecteurs de la voix résistante que s’intéresse cet article : le mythe (contre le mythe colonial), la mémoire (contre l’amnésie de l’histoire officielle), la langue (contre la pureté du français). Malgré sa marginalisation, l’écriture indienne d’expression française, comme Le thinnai, mérite d’être envisagée comme une voix indéniable dans les études postcoloniales francophones d’aujourd’hui.

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Shan Sa fait ses débuts en littérature avec son premier ouvrage intitulé Porte de la paix céleste, paru en 1997 aux éditions du Rocher. Son oeuvre dévoile la splendeur poétique et traditionnelle de la culture chinoise, ce qui en fait l’une des écrivaines les plus influentes d’expression française d’origine chinoise. Elle est connue dans le monde de la littérature francophone pour ses romans Les quatre vies du saule (1999) et La joueuse de go (2001). Shan Sa a tenté de faire retourner ses écrits français en Chine après la publication de son deuxième roman, mais a rencontré des difficultés à traduire son texte en chinois de manière complète et fidèle. Les réactions du lecteur chinois à ses oeuvres, notamment la controverse suscitée par son choix de sujets sensibles, méritent autant d’attention que les difficultés rencontrées lors du processus de retour. Les divergences dans les réactions des lecteurs chinois et français reflètent les différences quant à la réception et à l’exportation de ses oeuvres. Cet article identifie les facteurs susceptibles d’expliquer les obstacles qui entravent le retour de ses oeuvres sur la scène littéraire chinoise et explore les modalités par lesquelles ses romans s’adaptent aux réalités socioculturelles et politiques du pays d’origine.

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Dans Archéologie : douze miniatures, Abdelfattah Kilito utilise une riche intertextualité pour tisser un réseau de références culturelles et littéraires qui enrichissent son récit et participent à l’interrogation de la condition humaine. Kilito ne se contente pas de reprendre des éléments mythiques, il les réécrit et les réapproprie pour offrir une nouvelle signification, montrant que les mythes, bien que profondément ancrés dans la mémoire collective, peuvent toujours être renouvelés et recontextualisés. Son texte, bref et dense, combine motifs et personnages mythiques, passages littéraires connus et anecdotes ou traditions orales, créant ainsi un effet vertigineux.

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L’année de Bacchus d’El Mostafa Bouignane explore les profondeurs de l’âme humaine une fois confrontée à l’injustice et à la souffrance. Le roman met en exergue des éléments affectifs et esthétiques tels que l’amour, l’art et l’écriture ayant le pouvoir de neutraliser ces douleurs, d’ouvrir les êtres en détresse au monde et de les amener à faire preuve de pardon et d’indulgence. L’oeuvre invite le lecteur à réfléchir sur la résilience de l’âme humaine face à l’adversité.

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Cet article explore la vie et l’influence de Rabi’a al-Adawiyya, figure pionnière du soufisme, célèbre pour sa dévotion absolue à Dieu, son rejet de la crainte de l’enfer et son espoir du paradis en faveur d’un amour divin inconditionnel. Il examine sa vie de prière et de contemplation, ainsi que son rejet du mariage et ses idées progressistes sur l’égalité des sexes dans la spiritualité. L’article met en lumière les symboles de ses enseignements et décrit les miracles et légendes qui l’entourent, soulignant son impact durable sur le soufisme. Il conclut en abordant la reconnaissance des femmes dans cette tradition mystique, montrant comment Rabi’a a ouvert la voie à une participation féminine plus significative.

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Dans Wells (2003), la figure du non-dit s’articule autour du thème de l’inceste et des rapports troubles à la mère. Dans L’obéissance (1991) et Fugueuses (2005), elle apparaît dès lors que sont narrées des situations d’abus d’enfants par des adultes. Or, le non-dit n’est pas uniquement un décret imposé de l’extérieur pour maintenir une domination. Comme il sera mis en évidence, il relève, chez Suzanne Jacob, de ce qu’on n’entend pas de soi, qui attire et révulse à la fois, fragilise ; il met en place une condition de survie. Aussi le non-dit est-il intimement lié à l’émotion de la honte qui module le rapport aux autres – tel qu’il est représenté dans Fugueuses – et structure l’espace familial.

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Très tôt dans sa carrière littéraire, Annie Ernaux a puisé dans son vécu pour construire un univers romanesque où se mêlent l’intime et le social. Dans ses écrits auto-socio-biographiques et notamment Une femme, Ernaux s’est engagée à décrire la situation sociale et, plus particulièrement, la condition des dominés en les intégrant dans ses écrits intimes pour former un tout imbriqué. L’auteure revendique « une écriture plate » et a banni par conséquent de son langage littéraire tout ornement ou fioriture stylistique. Ce geste traduit sa volonté d’établir une distance à la fois objectivante et objective quant à la réalité sociale qu’elle met en exergue. Cette contribution forme une approche narratologique, toutefois sans perdre de vue les dimensions sociologique et stylique que laisse entrevoir l’oeuvre.

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Romancier, poète, essayiste, Jean Giono a été travaillé par l’humain dans son rapport étroit avec la nature, précisément avec la terre. Son écriture est encline à mettre en avant la corporéité humaine, dans ce qu’elle est un corps-sujet. Cette corporéité, en prise avec les sens et la sensorialité, apparait dans les visages de ses personnages. Les visages dans la Trilogie de Pan : Colline, Un de Baumugnes et Regain sont le symbole de la connaissance de la nature et de la terre, ce qui inscrit le rapport de l’homme à la nature dans l’expression. D’autre part, ils sont l’expression d’une scission entre l’homme et la terre. Plusieurs visages dans l’oeuvre de Giono reflètent ce lien qui peut être étroit ou rompu.