FR:

Le texte lauréat du Prix RFI Théâtre (2019) Victoria K, Delphine Seyrig et moi ou La petite chaise jaune (2021) de Valérie Cachard s’inscrit dans la mouvance de la « littérature hors du livre » (Rosenthal et Ruffel, 2010 : 4), où l’auteur·trice légitime la réception de son texte à travers une performance narrative. Après avoir interrogé la nature et le bien-fondé des archives intimes de Victoria K, lettres extraites de son journal intime abandonné dans sa maison, l’article s’intéresse aux allers-retours entre la fiction et le réel fictionnel qui systématisent une mémoire solidaire de la guerre civile en apparence fragmentaire. La performance du texte à Beyrouth par la dramaturge et son acolyte artistique Hadi Deaibes tend à éroder les dimensions sociopolitiques de l’archivage au profit d’une hybridation des identités scéniques. Cette contribution, coécrite par Noha Nemer et son amie de longue date Valérie Cachard, propose une réflexion sur l’expropriation discursive, esthétique et scénique d’une littérature intimiste.

EN:

The award-winning text of the RFI Theater Prize (2019), Victoria K, Delphine Seyrig et moi ou La petite chaise jaune (2021) by Valérie Cachard, falls within the trend of “literature beyond the book” (“littérature hors du livre”; Rosenthal and Ruffel, 2010: 4), where the author legitimizes the reception of their text through a narrative performance. After questioning the nature and validity of the intimate archives of Victoria K – letters taken from her diary left behind in her house – the article focuses on the back-and-forth between fiction and fictional reality, which creates a cohesive memory of the seemingly fragmented civil war. The text’s performance in Beirut by the playwright and her artistic collaborator Hadi Deaibes tends to erode the sociopolitical dimensions of archiving in favor of a hybridization of stage identities. This contribution, co-written by Noha Nemer and her long-time friend Valérie Cachard, offers a reflection on the discursive, aesthetic, and scenic expropriation of intimate literature.

FR:

Metro Al Madina (Le métro de la ville) est un espace culturel situé à Beyrouth, la capitale libanaise. Depuis 2012, il propose une programmation diversifiée mêlant cabaret, théâtre et musique. Metro Al Madina propose des spectacles festifs et divertissants faisant face au contexte sociopolitique complexe du pays. Ses créations mettent en lumière le patrimoine musical sous un regard contemporain. Sa programmation s’adapte également à l’actualité et aux envies du public. Quels sont les choix artistiques et économiques qui soutiennent la productivité et la continuité de cet espace?

EN:

Metro Al Madina (City Metro) is a cultural space located in Beirut, the capital of Lebanon. Since 2012, it has offered a diverse program blending cabaret, theatre, and music. Metro Al Madina presents festive and entertaining performances that respond to the country’s complex sociopolitical context. Its productions highlight musical heritage through a contemporary lens. The programming also adapts to current events and audience preferences. What are the artistic and economic choices that support the productivity and continuity of this space?

FR:

Dans sa dernière pièce, Up There (2022), le dramaturge syrien Wael Kadour s’interroge sur ce qui aurait pu se produire dans sa vie artistique, mais qui n’a pourtant pas eu lieu. Kadour élabore ainsi une conscience individuelle et subjective du non-passé, une temporalité négative qui se développe tout au long du processus de création de la pièce, depuis son idéation au cours de la crise sanitaire de 2020 jusqu’à sa première en décembre 2022. Cette prise de conscience émane d’un retour dans le temps, entre 1991 et 2022, accompagné du regard d’Henrik Ibsen sur la société.

EN:

In his latest play, Up There (2022), Syrian playwright Wael Kadour reflects on what might have happened in his artistic life but did not. Kadour thus develops an individual and subjective awareness of the “non-past,” a negative temporality that unfolds throughout the creative process of the play, from its conception during the 2020 sanitary crisis to its premiere in December 2022. This awareness arises from a journey back in time, between 1991 and 2022, accompanied by Henrik Ibsen’s perspective on society.

FR:

Dans cet article écrit à deux mains, Simon Dubois et Waël Ali reviennent sur un pan peu connu de l’histoire du théâtre syrien contemporain. En effet, leur démarche d’archivage d’une histoire sensible de l’engagement en Syrie durant les années 1980 les a conduits à reconstituer l’expérience d’une troupe de théâtre clandestine en prison. Ils réalisent ici un retour historique et analytique sur ces pièces en cellule qui ont été mises en scène entre 1987 et 1991 dans la prison de Saidnaya, où plusieurs militants de l’opposition étaient emprisonnés.

EN:

In this jointly written article, Simon Dubois and Waël Ali revisit a lesser-known aspect of contemporary Syrian theatre history. Their effort to archive a sensitive history of activism in Syria during the 1980s led them to reconstruct the experience of an underground theatre troupe in prison. Here, they provide a historical and analytical overview of these cell-based plays that were staged between 1987 and 1991 in Saidnaya prison, where many opposition activists were incarcerated.

FR:

Cet article retrace le parcours dramaturgique de l’auteur et artiste anglo-koweïtien Sulayman Al Bassam, dont l’oeuvre est habitée par un Levant en prise avec la tourmente ayant suivi les accords Sykes-Picot. Sa deuxième compagnie, SABAB Theatre, fondée après les attentats du 11 septembre 2001, est engagée dans un long processus critique, à la fois endogène et exogène, ayant débuté par la création d’une première trilogie shakespearienne sous un prisme arabe. L’orientalisme et le colonialisme des puissances occidentales occupent, dans son travail, une place aussi importante que la censure, la dictature et le patriarcat dans les sociétés arabes. Son travail dialogue en permanence avec l’actualité régionale et internationale.

EN:

This article traces the dramaturgical journey of the Anglo-Kuwaiti author and artist Sulayman Al Bassam, whose work is inhabited by a Levant grappling with the turmoil that followed the Sykes-Picot Agreement. His second company, SABAB Theatre, founded after the September 11 2001 attacks, is engaged in a long critical process, both endogenous and exogenous, which began with the creation of a first Shakespearean trilogy viewed through an Arab lens. Orientalism and the colonialism of Western powers occupy a place in his work as significant as censorship, dictatorship, and patriarchy in Arab societies. His work continuously engages with both regional and international current events.

FR:

Au début des années 2000, le théâtre alternatif a pris son essor en Turquie, créant une scène autonome qui a donné voix et visibilité à des minorités ethniques, religieuses et sexuelles jusque-là marginalisées et réduites au silence dans l’espace public. Ce théâtre est devenu un lieu de mémoire, où des questions politiquement sensibles et taboues étaient abordées et négociées. Cet article propose une analyse de l’interaction entre esthétique et politique à partir de certaines oeuvres de l’écrivaine de théâtre Ceren Ercan, une figure clé du théâtre contemporain turc, et d’un entretien réalisé avec elle. À travers l’étude de ses pièces, nous explorons comment elle met en scène ces sujets sensibles, tout en interrogeant les mécanismes de la désappartenance et en révélant la dynamique de résistance culturelle face à l’oppression politique.

EN:

In the early 2000s, alternative theatre emerged in Turkey, creating an autonomous scene that gave voice and visibility to ethnic, religious, and sexual minorities who had previously been marginalized and silenced in the public space. This theatre became a place of memory, where politically sensitive and taboo subjects were addressed and negotiated. This article offers an analysis of the interaction between aesthetics and politics, based on selected works by playwright Ceren Ercan, a key figure in contemporary Turkish theatre, and an interview conducted with her. Through the study of her plays, we explore how she stages these sensitive topics, while interrogating the mechanisms of disbelonging and revealing the dynamics of cultural resistance in the face of political oppression.

FR:

Sous la République islamique, la survivance du théâtre iranien a toujours été due aux tactiques développées par les artistes dans les brèches et les interstices de la stratégie de surveillance et de censure mise en place par le régime. L’oeuvre insolite du metteur en scène Hamid Pourazari, déployée dans des lieux non conventionnels, en dit long sur cette vie interstitielle et sur les compromis avec le pouvoir que celle-ci a toujours impliqués. Or, avec la révolution Femme, Vie, Liberté, toute entente avec le pouvoir devient impossible. Pourazari annonce alors la « fin du spectacle », soit la fin de la vie dans les interstices; le théâtre se produit désormais dans les rues.

EN:

Under the Islamic Republic, the survival of Iranian theatre has always relied on the tactics developed by artists within the cracks and interstices of the regime’s surveillance and censorship strategies. The unconventional work of director Hamid Pourazari, staged in non-traditional venues, speaks volumes about this interstitial existence and the compromises with power it has always entailed. However, with the Woman, Life, Freedom revolution, any form of agreement with the regime has become impossible. Pourazari then declares the “end of theatre,” marking the end of life in the interstices; theatre now takes place in the streets.

FR:

Cet article examine la renaissance du théâtre afghan contemporain, particulièrement depuis 2021, à travers des créations d’artistes afghan·es exilé·es en France. Ces oeuvres explorent les thèmes de l’exil, de l’identité et de la résistance culturelle face aux crises récentes, comme la reprise du pouvoir par les talibans. En mettant en scène leurs parcours personnels, ces artistes transforment le théâtre en un espace de guérison et de revendication. Les pièces abordent des sujets sensibles, comme la condition féminine et le patriarcat, tout en célébrant la mémoire culturelle afghane. Ce théâtre en exil incarne une quête identitaire et un besoin de témoignage.

EN:

This article examines the revival of contemporary Afghan theatre, particularly since 2021, through the works of Afghan artists in exile in France. These performances explore themes such as exile, identity, and cultural resistance in response to recent crises, including the Taliban’s return to power. By staging their personal journeys, these artists transform theatre into a space for healing and protest. Their plays address sensitive issues such as women’s rights and patriarchy, while also celebrating Afghan cultural memory. This theatre in exile embodies a search for identity and a need to bear witness.