FR :

La création sonore est une forme de création musicale exploitant les qualités expressives du son en dehors des schèmes traditionnels de la mélodie, de l’harmonie et du rythme mesuré. À partir des années 1960, des pédagogues d’origines diverses — Canada, États-Unis, Angleterre et France — ont proposé des modèles d’enseignement fondés sur différentes démarches de création sonore, mais partageant la visée d’une éducation musicale globale et fondamentale. Ces modèles ont été intégrés à partir du tournant des années 1970 dans les programmes d’études scolaires québécois. Toutefois, malgré les efforts déployés au fil des décennies par le ministère de l’Éducation, la création sonore n’est pas véritablement implantée dans les programmes universitaires de formation à l’enseignement de la musique ni dans les pratiques enseignantes en milieu scolaire.

Parmi les outils pédagogiques développés pour la pédagogie de la création sonore, fonofone pour iPad se distingue à double titre. D’une part, il a été spécifiquement conçu pour le milieu scolaire et, d’autre part, sa conception a été pilotée par le compositeur Yves Daoust, une des figures de proue de la musique électroacoustique québécoise.

Cet article a pour objectif général de situer l’interface de création fonofone dans le champ de la pédagogie musicale scolaire. Le design méthodologique fait appel à différentes stratégies de recherche. Pour le volet traitant de l’ancrage pédagogique et curriculaire de l’application, une recherche documentaire (Boisvert 2000) dans le champ de l’éducation musicale a permis de recueillir des données sur la pédagogie de la création sonore, de même que sur la lutherie spécialisée qu’elle a engendrée, en France particulièrement. Pour le volet traitant de l’application fonofone, une entrevue semi-dirigée (Van der Maren 2004) avec le concepteur Yves Daoust a permis de retracer les principaux jalons de son développement et d’en cerner les principales caractéristiques. La consultation des archives personnelles du compositeur québécois et l’observation d’animations réalisées avec l’application en milieu scolaire ont permis de compléter la collecte de données. L’ensemble des données recueillies a été soumis à un processus d’analyse de contenu (Bardin 2007).

EN :

Sound creation is a form of musical creation that exploits expressive qualities of sound beyond traditional patterns of melody, harmony, and measured rhythm. Since the 1960s, educators from various countries—Canada, the United States, England, and France—proposed teaching models based on different approaches to sound creation, while sharing the common goal of a musical education that is both fundamental and in-depth. These models were integrated into Quebec’s curriculum at the turn of the 1970s. However, despite efforts made by the Ministry of Education over many decades, sound creation is still not implemented effectively, neither in the undergraduate music education programs nor in teaching practices in schools.

Among the tools developed for the pedagogy of sound creation, fonofone for iPad distinguishes itself in two ways. First, it is specifically designed for an educational environment, and second, its design has been led by composer Yves Daoust, one of the leading figures in electroacoustic music in Quebec.

The main objective of this article is to situate the fonofone creation interface within the field of music pedagogy for school environments. The methodological design uses different research strategies. Regarding the pedagogical and curricular anchoring of the application, a literature review (Boisvert, 2000) of music education practices made it possible to collect data on the pedagogy of sound creation, as well as the specialized instrument-making that it has engendered, more particularly in France. With regard to the section on the fonofone application, a semi-structured interview (Van der Maren, 2004) with the designer, Yves Daoust, made it possible to retrace the main milestones of its development and identify its main characteristics. The examination of the personal archives of this Quebec composer, in addition to the observation of the use of the application in schools, completed the data collection. All data collected were subjected to a process of content analysis (Bardin, 2007).

FR :

Les programmes d’éducation musicale et de chant choral du collège en France publiés entre 1995 et 2008 démontrent que les pratiques de l’enseignement assisté par ordinateur (EAO) ont très rapidement évolué, notamment grâce aux progrès des outils créés pour la musique assistée par ordinateur (MAO). L’effet conjugué de l’EAO et de la MAO a permis d’explorer de nouvelles pratiques pédagogiques qui ont profondément modifié les rapports didactiques des professeurs à l’apprentissage musical au collège. Cet article fait état de l’analyse rétrospective de l’expérience d’un collectif de professeurs d’éducation musicale et de chant choral français au début des années 2010. Cette recherche-action a été réalisée à partir des séquences de cours élaborées par les professeurs regroupés en petites équipes au sein du collectif et utilisant uniquement des logiciels libres de droits pour observer l’impact de la MAO sur les apprentissages musicaux des élèves. Il s’agit de montrer comment ces nouvelles technologies utilisées en éducation musicale permettent de développer l’intérêt des élèves et de les engager plus activement dans des apprentissages musicaux. Cet article rend compte de cette recherche didactique et pédagogique en la resituant dans le contexte des travaux réalisés et publiés à cette époque et en propose une étude critique à l’aide de certaines caractéristiques propres aux théories de l’activité.

EN :

Musical education and choral singing programs from French junior high schools published between 1995 and 2008 show that practices in computer assisted instruction (CAI) have evolved very quickly, notably thanks to the progress of tools created for computer aided music (CAM). The combined effect of CAI and CAM has allowed the exploration of new pedagogical practices and profoundly changed teachers’ teaching style in musical instruction at the junior high level. This article is a retrospective analysis of the experiences of a group of music education and choral singing teachers in the early 2010s. This action research was undertaken from the sequence of courses given by the teachers grouped in small teams within the community, using only copyright-free software to observe the impact of CAM on students’ musical learning. It shows how these new technologies used in musical education allow the students to develop their interest and be more actively engaged in musical learning. This article gives an account of this academic and pedagogical research by placing it in the context of the works completed and published during this time period and proposes critical study using characteristics specific to the theories of the activity.

EN :

The purpose of this study is to explore effective strategies for successful collective improvisation in laptop orchestras. Collective music-making requires listening to and interacting with others in order to create a cohesive performance. However, musical expression also involves a sense of agency (Maus 1991; Levinson 2004), which may be perceived most prominently when individuals take temporary creative leadership roles and intentionally destabilize the sense of cohesion, either to rejuvenate it or to catalyze change. In my experience teaching and directing the Concordia Laptop Orchestra (CLOrk), I have observed that orchestra members learn to be attentive to stabilization and cohesion and to apply those concepts to their music-making relatively quickly, but that they have more difficulty learning and applying destabilization and catalysis techniques. Through interviews and questionnaires with CLOrk members, I have learned that the obstacles to taking destabilizing actions while improvising may be technical (primarily monitoring challenges), personal (ego depletion and attentional limits), and/or social (risks of peer rejection, exclusion, and shame). CLOrk members proposed strategies to address these challenges, including (1) arranging the orchestra in subgroups to improve audio monitoring coherence and to reduce attentional load and (2) communicating regularly about all relevant matters, including emotional and social obstacles in order to promote a mindful environment of sharing and a safe space for trial and error in the creative process.

FR :

L’objectif de cette étude est d’explorer des stratégies efficaces pour une improvisation réussie dans un contexte d’orchestre d’ordinateurs portatifs. La musique collective nécessite une écoute et une interaction avec les autres afin d’offrir une performance cohérente. Pourtant, l’expression musicale implique également une agentivité (Maus 1991 ; Levinson 2004), qui est le plus souvent perçue lorsque les individus prennent temporairement des rôles de décideurs créatifs dans lesquels ils posent des actions qui déstabilisent le sentiment de cohésion, soit pour le renouveler ou pour servir de catalyseur de changement. Durant mon expérience en tant que professeur et chef du Concordia Laptop Orchestra (CLOrk), j’ai observé que les membres de l’orchestre apprennent à être attentifs à la stabilisation et à la cohésion, et appliquent ces concepts assez rapidement à leur pratique musicale ; cependant, ils ont plus de difficulté à assimiler et appliquer les techniques de déstabilisation et de catalyse. Grâce à des questionnaires et des entrevues passés auprès des membres de CLOrk, j’ai découvert que les obstacles à l’action déstabilisante en cours d’improvisation peuvent être de nature technique (surtout des défis de contrôle), personnelle (fatigue décisionnelle et limites de l’attention), et/ou sociale (risques de rejet par les pairs, d’exclusion ou de honte). Les membres de CLOrk proposent des stratégies pour faire face à ces défis, incluant 1) organiser l’orchestre en sous-groupes pour améliorer la cohérence du contrôle audio et diminuer la charge attentionnelle et 2) discuter régulièrement de sujets pertinents tels que les obstacles sociaux et émotionnels, afin de créer un environnement attentif au partage et un espace sécuritaire qui permette les essais et les erreurs au cours du processus créatif.

EN :

Injuries are common over a performing musician’s career and wrist injuries are the most frequent site of pain for pianists. Although general recommendations insist on keeping wrists in a “neutral” position to avoid injury, this is rarely done in practice. Recent advances in motion capture technology may aid in raising students’ awareness of the propensity to use wrist positions outside of the recommended “neutral.” These technologies may be used to measure precise wrist positions in piano playing in order to set specific thresholds for avoiding injury. This paper discusses various advantages and limitations of motion capture technologies, including data visualization and usage within the music instrument pedagogy framework in order to define a set of requirements for an accessible motion-tracking system. A prototype of a dedicated image-processing-based system with a graphical user interface that meets these requirements is described. This system uses passive coloured markers and a standard 3D camera, encouraging use outside the traditional laboratory environment. Simple camera calibration options and basic hand tracking from aerial view images allow monitoring of wrist flexion/extension over short video recordings. Measurements are compared to flexion/extension thresholds recommended for typists to prevent carpal tunnel pressure, and moments of approaching or exceeding these thresholds are flagged to the user both in real time and in post-performance. Potential applications include monitoring the practice of short technical passages without restriction of instrument or location.

FR :

Les interprètes doivent gérer des blessures tout au long de leur carrière, et chez les pianistes, ce sont surtout les blessures aux poignets qui les font particulièrement souffrir. Alors que les recommandations générales insistent sur la position « neutre » du poignet pour éviter les blessures, elles sont rarement appliquées dans la réalité. De récentes avancées technologiques dans le domaine de la capture de mouvements pourraient aider les étudiants à être plus conscients de leur propension à dépasser les limites de la position « neutre » recommandée. Ces technologies pourraient être utilisées pour mesurer les positions précises du poignet durant le jeu pianistique afin de déterminer des ensembles de seuils spécifiques qui permettront d’éviter les blessures. Cet article présente les avantages et les inconvénients des technologies de la capture de mouvement, incluant la visualisation des données et leur utilisation dans le cadre de la pédagogie instrumentale, afin d’établir une liste de critères auxquels répondrait un système d’analyse des mouvements facile à utiliser. L’article présente un prototype de système de traitement des images spécialisé accompagné d’une interface graphique pour les utilisateurs qui répond à cette liste de critères. Le système recourt à des marqueurs de couleur passifs et à une caméra 3D standard afin d’encourager une utilisation en dehors des environnements de laboratoire traditionnels. Des options de calibrage simples pour la caméra, ainsi qu’une localisation de base des mains grâce à des images aériennes permettent d’observer les flexions et extensions des poignets dans de courts enregistrements vidéo. Les données sont comparées à des seuils de flexion/extension proposés pour les dactylos afin de prévenir les problèmes de tunnel carpien, et les utilisateurs sont avertis lorsqu’ils approchent ou dépassent ces seuils à la fois pendant et après l’enregistrement. Les applications potentielles du système incluent la surveillance durant la répétition de courts passages techniques, sans restriction d’instrument et de lieu.

FR :

Alors que les sites d’hébergement de vidéos enregistrent de plus en plus d’utilisateurs de tous âges (Barry et collab. 2016 ; Sweeny 2009 ; Whitaker, Orman, et Yarbrough 2014), plusieurs travaux de recherche en éducation reconnaissent leur importance et leur influence dans le domaine de l’enseignement et de l’apprentissage (Buzzetto-More 2015 ; Dougan 2014 ; Whitaker, Orman et Yarbrough 2014). YouTube par exemple, fait depuis plusieurs années l’objet d’études et d’évaluations scientifiques tant au niveau de son utilisation que de son contenu (Kruse et Veblen 2012 ; Rudolph et Frankel 2009 ; Schumacher 2015 ; Waldron 2009, 2011 et 2013). Si les résultats de ces études mettent en évidence une valeur ajoutée non négligeable, notamment dans l’engagement des étudiants, la compréhension des notions, et leur satisfaction (Buzzetto-More 2015), peu de recherches se consacrent à l’influence de l’intégration de ces plateformes sur les pratiques pédagogiques des enseignants.

La présente contribution porte sur les modifications des pratiques déclarées des professeurs d’instrument de différentes écoles de musique et institutions musicales de la Suisse romande suite à l’intégration de plateformes de vidéos dans leur enseignement. Cette recherche qualitative, basée sur une trentaine d’entretiens semi-dirigés et d’entrevues de groupe, met en évidence des modifications dans les pratiques d’enseignement à plusieurs niveaux : activités proposées à l’élève, organisation de l’espace, registres de la communication didactique, évaluation, et styles didactiques. Elle illustre que la progression didactique d’un tutoriel de piano (« Le blues au piano et aux claviers, les bases pour bien débuter ») est essentiellement linéaire et que de tels artefacts considèrent l’apprenant comme un sujet épistémique. Enfin, elle met en évidence les compétences nécessaires aux professeurs et aux élèves afin que l’intégration de cette technologie dans les salles de cours et studios de musique soit réussie.

EN :

As video-hosting websites attract more and more users of all ages (Barry et al. 2016; Sweeny 2009; Whitaker, Orman, and Yarbrough 2014), more educational research is acknowledging their importance and their influence in the domain of instruction and apprenticeship (Buzzetto-More 2015; Dougan 2014; Whitaker, Orman and Yarbrough 2014). YouTube, for example, has for several years been the subject of scientific studies and evaluations both on its level of use and its content (Kruse and Veblen 2012; Rudolph and Frankel 2009; Schumacher 2015; Waldron 2009, 2011 and 2013). If the results of these studies show a non-negligible added value, notably in the engagement of students, comprehension of the ideas, and their satisfaction (Buzzetto-More 2015), few researchers have considered the influence of the integration of these platforms into the pedagogical practice of teachers.

This study looks at the modifications of the practices followed by musical instrument teachers in different music schools and institutions in French-speaking Switzerland, namely the integration of video platforms in their instruction. This qualitative research, based on about 30 semi-structured interviews and group interviews, shows modifications in teaching practice on several levels: activities suggested to the student, organization of space, types of pedagogical communication, evaluation, and pedagogical style. It illustrates that the pedagogical progression of a piano tutorial (“Le blues au piano et aux claviers, les bases pour bien débuter”) is essentially linear and these videos consider the learner as an epistemic subject. Finally, the study reveals, to teachers and students, the necessary competency required to successfully integrate this technology into classrooms and music studios.

FR :

Cet essai consiste en une analyse, fondée sur la théorie et l’approche du cours d’action, de l’activité de sept musiciens-étudiants en situation de simulation de concours d’orchestre. Les stratégies d’adaptation des musiciens sont explorées selon les principes de l’énaction. Des entretiens replongeant le musicien dans cette situation ont permis de faire ressortir, à travers le codage des verbatim en « unités significatives élémentaires » (USE), le sens que chacun des musiciens donne aux différents moments de la simulation de concours, ainsi qu’une multitude de stratégies d’adaptation développées pour y faire face. Les différentes macro-séquences identifiées (la découverte du programme, la mise en condition pour le concours, les adaptations, et la construction de l’expérience après concours) ont une influence sur les musiciens et sont perçues de manière changeante selon l’avancée du concours.

À la suite de cette analyse, des stratégies sont proposées afin de faire face aux différentes dynamiques générées par le concours. Cette étude, empruntant la méthode pluridisciplinaire du cours d’action, cherche à apporter de nouvelles connaissances dans la gestion de la performance musicale.

EN :

This essay consists of an analysis, based on the theory and approach of the course of action, of the activity of seven music students in a situation of a simulated orchestra audition. The musicians’ adaptation strategies are explored according to the principles of enaction. The auditions that put the musicians into this situation have made it possible to gather significant elementary units (“unités de signification élémentaires, USEs”) through the verbatim coding of the way each musician reacted to the different moments of the simulated audition, and the multitude of adaptation strategies to deal with them. The different macro-sequences that were identified (learning the program, preparing for the audition, the adaptations, and the post-audition experience) all have an influence on the musicians and are perceived in changing ways as the auditions progressed.

Following this analysis, strategies are proposed on how to cope with the different situations faced in the audition. This study, borrowing the multidisciplinary course of action method, seeks to bring new knowledge to the management of musical performance.