Volume 40, numéro 2, 2020

FR :

Cet article questionne le parcours diaphane de quelques garçons qualifiés de « musiciens » et chantres dans les sources relatives à la Nouvelle-France. Réunies, les bribes d’informations qui ont pu être recueillies sur ces jeunes hommes sans histoire permettent de cerner quelques-unes des motivations qui les poussent vers les colonies entre 1660 et 1730, à une époque où tout reste à édifier, sinon à consolider sur le plan institutionnel. Au-delà de cet aspect, encore peu connu de la micro-histoire culturelle coloniale, se révèle le rôle catalyseur de l’armée et de l’Église en tant que voie de salut pour ces anciens maîtrisiens en quête d’un avenir au sortir des églises cathédrales ou collégiales de France. Qu’ils aspirent à embrasser l’état ecclésiastique ou qu’ils cherchent à intégrer les rouages de l’administration coloniale en tant qu’écrivains après avoir été émancipés de l’armée, les quelques individus que nous allons croiser à Québec et à Montréal, nous permettent aujourd’hui de lever discrètement le voile sur la fortune de quelques-uns de ces enfants ayant passé leur jeunesse à chanter dans les bas-choeurs et dès lors, de mieux saisir leur apport à la vie culturelle de la colonie française au Canada.

EN :

This article examines the diaphanous career of a few boys described as “musicians” and singers in the sources relating to Nouvelle-France. The bits of information that have been collected on these young men with no history make it possible to identify some of the motivations that led them to the colonies between 1660 and 1730, at a time when everything had yet to be built, if not consolidated, on the institutional level. Beyond this aspect, which is still little known in colonial cultural micro-history, the catalytic role of the army and the Church as a path to salvation for these former masters in search of a future after leaving the cathedral or collegiate churches of France is revealed. Whether they aspired to become ecclesiastics or sought to integrate the workings of the colonial administration as writers after being emancipated from the army, the few individuals we will meet in Quebec City and Montreal allow us to discreetly lift the veil on the fortunes of some of these children who spent their youth singing in the lower choirs, and thus to better understand their contribution to the cultural life of the French colony in Canada.

EN :

Michel Foucault described the present epoch as being one of space. Some of his notions of space are found in his theories on heterotopias—disturbing places of segregated otherness—which Foucault adapted to describe temporal paradigms within a social framework. This study analyzes the duality of opposing temporal planes that are presented as the empirical world and the metaphysical realm, as they inform the heterotopic space within Alban Berg’s opera Lulu. The objective is to expand on the ambiguous meaning of heterotopia and to view Berg’s opera through the seminal lens of Foucauldian theory.

FR :

Michel Foucault a décrit l’époque actuelle comme étant une époque de l’espace. Certaines de ses notions de l’espace se retrouvent dans ses théories sur les hétérotopies — des lieux perturbants d’altérité ségréguée — que Foucault a adaptées pour décrire les paradigmes temporels au sein d’un cadre social. Cette étude analyse la dualité des plans temporels opposés qui sont présentés comme le monde empirique et le royaume métaphysique, tels qu’ils influencent l’espace hétérotopique au sein de l’opéra Lulu d’Alban Berg. L’objectif est d’approfondir la signification ambiguë de l’hétérotopie et de voir l’opéra de Berg à travers la lentille fondamentale de la théorie foucaldienne.

EN :

Barrie Cabena’s Sonata Festiva (1971) highlights SLIDE, a chord progression familiar from the neo-Riemannian and twentieth-century Russian music-theoretic literatures. Diverse expressions of SLIDE involve chord pairs, single chords, and melodic lines in textural, tonal, and formal contexts, leading to contemplative, energetic, comedic, and triumphant effects. Aspects of pitch-class set theory help to relate SLIDE to other harmonic phenomena in the work.

FR :

La Sonata Festiva (1971) de Barrie Cabena met en lumière SLIDE, une progression d’accords connue des littératures musicales théoriques néo-riemanniennes et russes du XX^e siècle. Les expressions diverses de SLIDE impliquent notamment des paires d’accords, des accords simples et des lignes mélodiques dans des contextes texturaux, tonals et formels, conduisant à des effets contemplatifs, énergiques, comiques et triomphants. Certains aspects de la théorie des ensembles aident à relier SLIDE à d’autres phénomènes harmoniques dans l’oeuvre.

FR :

De nombreuses sources historiques saluent le style spécifique de jeu et d’accompagnement de Pasquini en le définissant comme « la manière la plus authentique, la plus belle et la plus noble de jouer et d’accompagner » (Gasparini, 1722). Que pouvons-nous déduire de l’analyse de ses ouvrages pédagogiques concernant la construction des savoirs nécessaires à la réalisation d’une improvisation stylistiquement « correcte » ? À travers une analyse didactique du corpus de sources pédagogiques pour clavier de Pasquini, cet article se propose de décrire les objets matériels et symboliques aménagés par le maître afin de favoriser la construction de connaissances stylistiques chez l’élève.

EN :

Numerous historical sources praise Pasquini’s distinct playing and accompanying style as “the most authentic, beautiful and noble way to play and accompany” (Gaspariani 1722). What can we infer about building the required knowledge for realizing a stylistically “correct” improvisation based on analyzing his pedagogical works? By borrowing a theoretical framework from didactics, this article attempts to describe pedagogical elements likely to encourage building stylistic knowledge and grasp the singularity of Pasquini’s didactic approach.

EN :

Bruno Mars excels in his live performances. However, the studio version of the song “Locked Out of Heaven,” from his Unorthodox Jukebox album (2012), is distinctly different from his live performances of the piece in its pitch accuracy. How can we address this contrast, beyond the possibilities of negligence, accidents, or even conscious choices? The answer might reside in an analogy between the inaccurate pitch of the studio song and the video clip, where the director, Cameron Duddy, imitates the deficiencies of a VHS cassette, at the same time utilizing the spontaneity of Mars’s live band. According to Sanden, the removal of human imperfections can often make a performance seem less live. After analyzing the live and recorded vocal performances (with the help of re-mediatized performances we found on the internet), Duddy’s video clip, as well as the critical discourse on liveness in popular music, we argue that such a song re-establishes the power balance between the “final” version of the album and the one presented by pop artists on stage: Bruno Mars offers a new take on the consequences of discomorphosis, thanks to a surprisingly parsimonious use of pitch-correction technology within a meticulously produced pop song.

FR :

Bruno Mars est réputé pour ses spectacles live. Cependant, la version studio de la chanson « Locked Out of Heaven » de son album Unorthodox Jukebox (2012) présente une différence marquée de ses spectacles live dans sa précision de tonalité. Comment peut-on aborder ce contraste, au-delà des possibilités de négligences, d’accidents, ou même de choix conscients ? La réponse pourrait résider dans une analogie entre la tonalité imprécise de la chanson du studio et le clip vidéo, où le réalisateur, Cameron Duddy, imite les défauts d’une cassette VHS, tout en utilisant la spontanéité du groupe live de Mars. Selon Sanden, la suppression des imperfections humaines peut souvent rendre une performance moins vivante. Après avoir analysé les performances vocales live et enregistrées (à l’aide de performances remédiatisées que nous avons trouvées sur l’internet), le clip vidéo de Duddy, ainsi que le discours critique sur la vivacité dans la musique populaire, nous soutenons qu’une telle chanson rétablit rapport de force entre la version « finale » de l’album et celle présentée par les artistes pop sur scène : Bruno Mars propose un nouveau regard sur les conséquences de la disco-morphose, grâce à une utilisation étonnamment parcimonieuse de la technologie de correction tonale au sein d’un chanson pop méticuleusement produite.

FR :

La musique instrumentale, plus précisément celle destinée à l’enregistrement et secondée par un travail de composition, est au coeur de la présente étude en regard de l’importance qu’elle a acquise dans l’industrie de la musique québécoise depuis la décennie 2010. Des noms comme ceux de Jean-Michel Blais, Martin Lizotte, Marc-André Pépin et Alexandra Stréliski sont au coeur de la popularité qu’a connue le phénomène, bien qu’il suscite autant des réactions positives que négatives eu égard à son appellation et des croisements entre univers classique et populaire. En ce sens, la présente étude délimite un corpus et en propose une analyse tout en faisant ressortir les tendances majeures de cette musique et les défis que sa circulation a rencontrés au sein de l’espace médiatique du Québec.

EN :

Instrumental music, specifically recorded music based on a compositional process, is at the core of the current study in tandem with the importance it has taken in Quebec’s music industry since 2010. Names like Jean-Michel Blais, Martin Lizotte, Marc-André Pépin and Alexandra Stréliski have boosted the phenomena through popularity. However, positive reactions as well as negative ones are also taken into account regarding the problematic naming of that music and the crossover between classical and popular. Thus, the current study establishes a corpus and analyzes it, then focuses on the major tendencies of that music and the challenges that its circulation has encountered within Quebec media.

EN :

During Expo 86, composer Martin Bartlett showcased his commitment to having Javanese music settle in Vancouver. By organizing a month-length workshop on Indonesian performing arts, he secured the Indonesian Embassy’s gift of a full Javanese gamelan to Simon Fraser University. The success of this first workshop encouraged Bartlett to repeat the experience for several years. In the summer of 1988, the event took an unexpected turn by concurrently featuring gamelan and electronic music workshops side by side. Dubbed “Dance and Music of Two Worlds,” it provided a unique place of encounter in which Javanese music traditions coexisted with electronic arts. Although the two hardly intermingled, the 1980s and 1990s saw many interdisciplinary productions mixing gamelan and electronics emerge from participating students. At the time, this relatively unexplored encounter between sound worlds put a stamp on the regional identity of the Vancouver gamelan scene, one still echoing today.

FR :

Lors de l’Expo 86, le compositeur Martin Bartlett a démontré son sa détermination à instaurer une culture de musique javanaise à Vancouver. En organisant un atelier d’un mois sur les arts de la scène indonésiens, il a obtenu le don d’un gamelan javanais complet à l’Université Simon Fraser de la part du gouvernement de l’Indonésie. Le succès de ce premier atelier a ensuite encouragé Bartlett à renouveler l’expérience pendant plusieurs années. À l’été 1988, l’événement a pris une tournure inattendue en mettant en parallèle des ateliers de gamelan et de musique électronique. Baptisé « Dance and Music of Two Worlds », il offrait un lieu de rencontre unique où les traditions musicales javanaises coexistaient avec les arts électroniques. Bien que les deux ne s’entremêlèrent guère, les années 1980 et 1990 ont vu émerger de nombreuses productions interdisciplinaires mêlant gamelan et électronique par des étudiants participants. À l’époque, cette rencontre relativement inexplorée entre ces univers sonores a marqué l’identité régionale de la scène de gamelan à Vancouver, un héritage qui résonne encore aujourd’hui.