Volume 39, numéro 2, 2019 Machines et imaginaires musicaux (1900–1950) Machines and the Musical Imagination (1900-1950) Sous la direction de Federico Lazzaro et Christopher Moore

FR :

Le dossier Machines et imaginaires musicaux (1900–1950) / Machines and the Musical Imagination (1900–1950) conçoit une réflexion autour de trois axes sur les rapports entre la musique et les machines au début du XX^e siècle : 1) la spécificité de cette époque dans l’histoire de la représentation des machines en musique; 2) les topoï de cette transposition; 3) la complexité des interactions entre machines, musique et société.

EN :

The collection of articles Machines and the Musical Imagination (1900–1950)/Machines et imaginaires musicaux (1900–1950) aims to expand understanding of the relationship between music and machines at the beginning of the twentieth century by focussing on three primary themes, namely: a) the specificity of this period in terms of the history of the representation of machines in music; b) the topoï around which the relationships between music and machines were articulated, and; c) the rich cultural relationship between machines, music, and society.

FR :

La Joie de vivre d’Anthony Gross et Hector Hoppin est un cas précoce d’animation d’avant-garde qui transpose une esthétique moderniste dans la formule du dessin animé musical des années 1930. Ses décors alternent le machinisme inspiré de la banlieue ouvrière parisienne (usines, une centrale électrique, le chemin de fer) avec un paysage bucolique. Sans être ouvertement critique de l’industrialisation, cette dichotomie pourrait être perçue comme évasion pastorale. La musique originale composée par Tibor Harsányi joue un rôle central dans l’esthétique du film, et son analyse permet de réinterpréter la dualité machine/nature dans une perspective « post-pastorale ».

EN :

Anthony Gross and Hector Hoppin’s La Joie de vivre is an early example of animated avant-garde cinema that transposes a modernist aesthetic into the musical cartoon formula of the 1930s. Its setting alternates the machinisme inspired by the Parisian working-class suburbs (factories, a power station, a railway) to a bucolic idyll. Though not overtly critical of industrialization, this dichotomy could be seen to represent an escapist pastoral. The original music composed by Tibor Harsányi plays a central role in the film’s aesthetic and its analysis can offer a better understanding of the machine/nature duality from a “post-pastoral” perspective.

EN :

George Antheil’s Ballet Mécanique is notorious for its cacophonous sonorities, its industrial allusions, and its use of mechanical instruments, notably the player piano. Despite a successful première in Paris in 1926, the 1927 American reception of the piece was viscerally critical. Drawing upon contemporary documents, this article reconsiders the American reception of the ballet in light of the relationship between early twentieth-century American audiences and the mechanical. It suggests that through its use of mechanized instruments, specifically the player piano, Ballet Mécanique exacerbated anxiety and skepticism about the mechanical and mirrored a growing fear about the destructive consequences of a mechanized society.

FR :

Le Ballet mécanique de George Antheil est célèbre pour ses sonorités cacophoniques, ses allusions industrielles et son utilisation d’instruments mécaniques, notamment le Pianola. Bien reçue à Paris en 1926, la pièce fut très mal accueillie aux États-Unis en 1927. En s’appuyant sur des sources de l’époque, cet article reconsidère la réception américaine du ballet à la lumière de la relation entre le public américain du début du XX^e siècle et le machinisme. Il suggère qu’à travers son utilisation d’instruments mécaniques, en particulier le Pianola, le Ballet mécanique a exacerbé l’anxiété et le scepticisme à l’égard des machines en reflétant la peur croissante des conséquences destructrices d’une société mécanisée.

EN :

In this article I explore some of the ways in which opera was affected by the dynamics of rupture and experimentation in the Soviet Union in the 1920s and early 1930s. In particular, I examine the criticism of opera as a genre among composers and theatrical practitioners, such as Nikolay Foregger, who advocated a fusion of opera and ballet inspired by the rhythms, movements, and sounds of modernity, and Adrian Piotrovsky, who argued for the transfer of cinematic devices to other art forms, including opera. The article further explores some intersections with the Futurist and Constructivist cult of the machine as reflected in the operatic experiments of Vladimir Deshevov and Aleksandr Mosolov, which were almost immediately suppressed by the rise of a more populist aesthetics and remain largely unknown.

FR :

Dans cet article, j’explore certains aspects de la façon dont l’opéra a été affecté par la dynamique de rupture et d’expérimentation en Union soviétique dans les années 1920 et au début des années 1930. En particulier, j’examine la critique de l’opéra en tant que genre parmi les compositeurs et les praticiens du théâtre, tels que Nikolaï Foregger, qui a préconisé une fusion de l’opéra et du ballet inspirée par les rythmes, les mouvements et les sons de la modernité, et Adrian Piotrovsky, qui a plaidé pour le transfert des dispositifs cinématographiques à d’autres formes d’art, y compris l’opéra. L’article explore en outre certaines intersections avec le culte futuriste et constructiviste de la machine, comme en témoignent les expériences lyriques de Vladimir Dechevov et Aleksandr Mosolov, qui ont été presque immédiatement supprimées par la montée d’une esthétique plus populiste, et qui restent largement inconnues.

FR :

En 1911, un Gala à l’honneur de l’aviation française est organisé à l’Opéra de Paris, avec comme oeuvre centrale Icare, une « épopée lyrique » composée par Henry Deutsch de la Meurthe. Magnat du pétrole, grand mécène aéronautique et musical ainsi que compositeur, Deutsch de la Meurthe est une figure tout à fait singulière qui lie le monde des technologies industrielles, les cercles sportifs et le milieu musical français du début du XX^e siècle. Cet article propose d’étudier Icare en situant l’opéra à la fois dans l’histoire culturelle et musicale de l’essor de l’aviation française et dans la production musicale de Deutsch de la Meurthe. Le portrait qui s’en dégage permet en outre de remettre en question l’affirmation proclamée par les futuristes que l’opéra L’aviatore Dro (1915) de Francesco Balilla Pratella serait le premier opéra à sujet aéronautique.

EN :

In 1911 a Gala in honour of French aviation was organized in Paris that featured a performance of Icare, an épopée lyrique [lyrical epic] composed by Henry Deutsch de la Meurthe. An oil magnate, important patron of both music and aeronautics as well as a composer, Deutsch de la Meurthe was a remarkable figure who built bridges between the diverse worlds of technological industry, sport, and French musical life. This article proposes an examination of his opera, Icare, by situating it within the historical and musical contexts of the development of French aviation and the composer’s musical output. The resulting portrait also allows for a re-evaluation of claims made by artists associated with the aesthetics of futurism that L’aviatore Dro (1915) by Francesco Balilla Pratella had been the first opera based on an aeronautic subject.

FR :

Les bibliothèques de compositeurs, comme ensembles de textes, n’ont connu que peu d’investigations, entraînant alors un manque de reconnaissance de leurs valeurs intellectuelle et herméneutique en musicologie. Or, depuis le XIX^e siècle, à la suite du développement de la musicologie et de l’appropriation de la critique musicale par les musiciens, le compositeur n’est plus seulement artisan mais penseur de son art : il se fait intellectuel. L’examen de la bibliothèque de Vincent d’Indy (1851–1931), joint à celui de ses écrits, permet de préciser une dynamique intellectuelle propre à ce compositeur, et plus précisément de révéler la dimension épique primordiale à la bibliothèque qui se situe ainsi à l’origine d’une réflexion croisée sur l’épopée littéraire et ce que d’Indy nomme « l’épopée musicale ».

EN :

Composers’ libraries, as collections of texts, have undergone few investigations, hence leading to a lack of recognition of their intellectual and hermeneutic values in musicology. However, since the 19^th century, because of the development of musicology and the appropriation of musical criticism by musicians, the composer is no longer just a craftsman but a thinker of his art: he becomes an intellectual. An examination of the library of Vincent d’Indy (1851–1931) and his writings altogether, makes it possible to clarify an intellectual dynamic peculiar to this composer, and more precisely to reveal the primordial epic dimension of the library, which is thus at the origin of a cross-referenced reflection on the literary epic and what d’Indy calls “the musical epic”.

EN :

In 2004, Canadian composer Malcolm Forsyth (1936–2011) stated publicly that the simplest compositions, if genuine, often achieved the greatest profundity. He described the Adagio from his Double Concerto for Viola and Cello (2004) as “the greatest departure, for me, to this realm of a very, very simple and harmonious music.” This article explores Forsyth’s conception of simplicity by placing a close harmonic, motivic, and structural analysis in several contexts: the work’s history of revisions, what Mozart, Schubert, and Brahms reveal about musical simplicity, the debate on profundity in music, the discourse on “late style,” and personal anecdotes.

FR :

En 2004, le compositeur canadien Malcolm Forsyth (1936–2011) a déclaré publiquement que les compositions les plus simples, si sincères, atteignent souvent la plus grande profondeur. Il décrit l’Adagio de son Double Concerto pour alto et violoncelle (2004) comme « le grand départ, pour moi, vers ce royaume d’une musique très, très simple et harmonieuse. » Cet article explore la conception qu’a Forsyth de la simplicité par une fine analyse harmonique, motivique et structurale dans plusieurs contextes : l’histoire des révisions de la pièce, ce que Mozart, Schubert et Brahms révèlent de la simplicité musicale, le débat sur la profondeur en musique, le discours sur le « style tardif » et des anecdotes personnelles.

FR :

Musique et littérature : une partition de mots. Mais, quelle est cette étrange alchimie qui se produit entre une mélodie et un texte ? Comment notes et mots parviennent-ils à danser ensemble ? L’idée de cet article est d’analyser l’influence de la musique dans des oeuvres littéraires, d’étudier la notion de musique non seulement comme élément créateur de sens, comme discours dramatique dans un texte littéraire, mais également comme puissant vecteur de sentiments. Et, lire les oeuvres de l’écrivain péruvien contemporain Alfredo Bryce Echenique, c’est rencontrer la musique derrière les mots, et dans les thèmes développés.

EN :

Music and literature: a score made of words. But what is this strange alchemy that occurs between a melody and a text? How do notes and words manage to dance together? The idea of this article is to study the influence of the music in literary works, to analyze the music notion as a creative element of meaning, as a dramatic speech within a literary text and a powerful vehicle for feelings. Reading the works of the Peruvian writer Alfredo Bryce Echenique, is to meet the music behind the words, and in the developed topics.