Volume 34, numéro 3, 2024 Musique et temps critiques Sous la direction de Daniel Villegas Vélez et Terri Hron

FR :

Formés à entendre des schémas même dans le bruit, les musiciens transforment souvent le bruit des temps difficiles en art – mais cet acte même d’analyse les abstrait de l’immersion dans le tumulte. Cette tendance est renforcée par le désir de la plupart des expressions musicales de privilégier des moments de kairos, d’être ensemble à un degré inconnu dans le monde qui nous entoure. Notre addiction à être ensemble nous empêche-t-elle d’entendre les changements lents et non coordonnés du climat de notre planète ? La musique est-elle complice de notre éloignement mental du monde ? Pouvons-nous concevoir des stratégies musicales qui contrent cette tendance profondément enracinée ? L’auteur propose trois perspectives tentatives pour nous sevrer de la dépendance au kairos musical : un timing élastique, une non-unité forcée, et une musique qui dépasse notre attention.

EN :

Trained to hear patterns in even in noise, musicians often transform the noise of difficult times into their art – but this very act of analysis abstracts them from being immersed in the turmoil. This tendency is enhanced by the desire of most musical expressions to privilege moments of kairos, of being together to an extent unknown in the world around us. Does our addiction to being together prevent us from hearing the slow and uncoordinated changes in our planet’s climate? Is music complicit in our mental estrangement from the world? Can we think of musical strategies that counteract this long-ingrained trend? The author offers three tentative perspectives to wean ourselves from musical kairos-dependency: elastic timing, forced non-togetherness, and music that overextends our listening attention.

FR :

L’article examine la formation de la méthode de composition algorithmique du compositeur ukrainien Leonid Hrabovsky dans une large perspective historique. Le compositeur a commencé à travailler sur cette méthode dans les années 1960, dans le temps de formation du mouvement d’avant-garde et de dissidence en Ukraine, et l’a terminé en 2015, lors du mouvement actif de décolonisation et d’intégration européenne de l’Ukraine.

L’expression « Compositeur versus Système » signifie donc à la fois une opposition au « système » de pression politique et idéologique sur les artistes, et un désir conscient de créer son propre « système de composition » qui permettrait au compositeur de développer son propre monde créatif.

L’article définit la méthode créative de Hrabovsky comme une méthode de processus aléatoires contrôlés de variabilité des paramètres musicaux, où il combine des séries de motifs diatoniques (construits séparément et composés d’intervalles différents) avec des séries de figures rythmiques également construites séparément.

EN :

The article examines Ukrainian composer Leonid Hrabovsky’s development of an algorithmic composition method from a broad historical perspective. The composer began working on the algorithmic composition method in the 1960s, during the formation of the avant-garde and dissident movement in Ukraine, and completed it in 2015, during the active decolonisation and European integration movement in Ukraine.

The expression ‘Composer versus System’ therefore signifies both opposition to the ‘system’ of political and ideological pressure on artists, and a conscious desire to create his own ‘system of composition’ that would enable the composer to develop his own creative world.

The article defines Hrabovsky’s creative method as a method of controlled random processes of variability in musical parameters, in which he combines series of diatonic patterns (constructed separately and composed of different intervals) with series of rhythmic figures also constructed separately.

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Cet article explore une forme de résistance musicale à la crise extrême et multiforme qu’a représenté la Seconde Guerre mondiale, et plus précisément la détention dans les prisons et les camps nazis, à travers deux ensembles de chansons réécrites sur des airs connus par des Résistantes françaises déportées : d’une part un recueil de chansons de prison inventées entre 1941 et 1944 et rassemblées par la bibliothécaire Yvonne Oddon vers 1945, et d’autre part l’opérette-revue Le Verfügbar aux Enfers, notée en 1944 par l’ethnologue Germaine Tillion dans le camp de Ravensbrück. À travers ces deux cas d’étude de résistance féminine et collective par la musique, nous détaillons cinq grandes fonctions que peut remplir le chant face à une crise d’une telle ampleur : entretenir la mémoire de la liberté, faire circuler l’information, garder prise sur le réel, rire malgré tout et, enfin, alimenter la solidarité et l’espoir.

EN :

This articles explores a form of musical resistance to the extreme and multifaceted crisis of the Second World War, and more specifically detention in Nazi prisons and camps, through two sets of songs rewritten on familiar tunes by deported French Resistance women: a collection of prison songs invented between 1941 and 1944 and compiled by librarian Yvonne Oddon around 1945, but as well as operetta-revue Le Verfügbar aux Enfers, noted in 1944 by ethnologist Germaine Tillion in the Ravensbrück camp.

Through these two case studies of feminine and collective resistance through music, we detail five major functions singing plays during a crisis of such great importance: perpetuating the memory of freedom, allowing information to circulate, keeping a grip on reality, laughing in spite of everything, and, finally, nourishing solidarity and hope.

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Cet article relate le processus de création des éléments soniques pour l’installation Brain Forest Quipu de Cecilia Vicuña, une commande du Turbine Hall du Tate Modern en 2022. La célèbre poète et artiste visuelle Cecilia Vicuña a travaillé avec l’auteur sur plusieurs projets et médiums, donnant lieu à cette collaboration, à laquelle plusieurs musiciens, poètes et artistes sonores ont participé. Écouter la vision de l’artiste, l’espace du musée, la crise environnementale et les cultures sous-représentées était essentiel à la création d’un sound quipu, l’installation sonore construite au sein des sculptures monumentales.

Ce récit commence par un appel initial à la co-création pour cette oeuvre dédiée à notre planète, suivi d’un bref contexte sur le Quipu dans l’oeuvre de Cecilia et sa collaboration avec l’auteur. La vision de l’oeuvre a ensuite été transmise avec une invitation aux artistes participants. La conception de la structure temporelle et physique de l’installation sonore est décrite, ainsi que la nature et la portée des contributions.

EN :

This article describes the process of creating the sonic component for Cecilia Vicuña’s installation Brain Forest Quipu, her commission for Tate Modern’s Turbine Hall in 2022. Renowned Chilean poet and visual artist Cecilia Vicuña has worked with the author on several projects and media, leading up to this collaboration that included the contribution of several musicians, poets, and sound artists. Listening to the artist’s vision, the space at the museum, the current environmental crisis, and the underrepresented cultures was essential to creating the Brain Forest Quipu – the sonic installation built inside the monumental sculptures. A narrative starts with an initial call to co-create for this work dedicated to our planet, followed by a brief context on Quipu in Cecilia’s work and her collaboration with the author. The work’s vision was then transmitted with an invitation to the contributing artists. The conception of both the temporal and physical structure of the sound installation is described, as well as the nature and scope of the contributions.